Сюрреализм шестнадцатого столетия: Маньеризм в живописи

Наверняка, многие задумывались о том, как было бы хорошо поразить своего собеседника знаниями в сфере искусства или наконец-то ходя по галереям понимать, чем мы восхищаемся и почему.

Сложно уместить всю информацию в несколько статей, да и стать специалистом за короткий период времени тоже дело не простое. Тем не менее, давайте попробуем немного разобраться в разных периодах и направлениях мирового искусства. 


Разговор пойдет о Маньеризме достаточно необычном в даже в каком-то роде странном направлении в искусстве шестнадцатого столетия. Перед тем, как мы окунемся в этот период, нужно отмотать пленку назад и вернуться в предыдущую эпоху. Не стоить недооценивать важность исторических событий и хронологию.

Во многом, искусство имеет четкую последовательность и реакцию от обратного. Почти как в моде, еще пару лет назад трендом являлись пастельные цвета и монохромные луки, и вот уже в этом сезоне мы пресытились, и на смену пришел тренд на неон и яркие цвета. В искусстве прослеживается тот же принцип.  

Что привело к Маньеризму или «божественные творцы эпохи Возрождения»

Само название Маньеризм происходит от итальянского «maniera» – «манера», или же «стиль». Сейчас манерным можно назвать человека, который не имеет простоты и естественности в своем поведении и жестах. О маньеристах можно сказать то же самое.  

Перед Маньеризмом миром правило Возрождение, то самое направление, о котором люди слышат чаще всего. Конечно, при слове «Возрождение» или «Ренессанс» в голове возникают изображения «Давида» Микеланджело или же картина «Мона Лиза» Леонардо да Винчи.

Большинству известно, что Ренессанс — это великое возрождение античной культуры, оттуда и название. Однако мало кто понимает, что же к этому привело. Как известно, колыбелью направления считается Флоренция, и это не просто так. 

Флоренция была городом-республикой, что привело к росту влияния сословий ремесленников, торговцев и банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой церковной культурой, и ее аскетичный и смиренный дух. 

Это привело к появлению гуманизма — философского движения, рассматривающего человека, его личность, его свободу и активную деятельность, как высшую ценность. Если проще, то человек полюбил себя и стал им восхищаться. Скульптуры и все античное искусство перестало быть примером богохульства и неподобия. Вместо этого оно стало достоянием.

Художники стали стремится к идеалу человеческого тела, которое лежало в основе античного искусства. В этом они более чем преуспели. К примеру, современники окрестили Микеланджело «божественным», за его способность соперничать с самим Богом в создании формы идеального тела.


Микеланджело Буонарроти «Сотворение Адама», 1512

«Это хорошо, но до Леонардо да Винчи не дотягивает»

И вот что получается, маньеристы, пришли в мир, где их предшественников характеризовали как «божественных». Согласитесь, не просто соответствовать таким высоким ожиданиям. Они решили, что превзойти великие произведения Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело им не суждено. Возможно они были не правы, но такая конкуренция оказала слишком сильное на них давление. И дабы не упасть «в грязь лицом» и не слышать комментарии из ряда: «это хорошо, но до Леонардо да Винчи не дотягивает», они решили работать в совершенно противоположном направлении. 

Характеристики Маньеризма или несуразность пропорций и едкие цвета

Молодые художники-маньеристы пытались создать что-то новое. Так как каноном считались идеальные пропорции, и продуманная композиция они решили, что пришло время делать все наоборот. 

Характерной чертой Маньеризма можно считать искусственность: причудливый, иногда кислотный цвет, нелогичное сжатие пространства, вытянутые пропорции и преувеличенная анатомия фигур в замысловатых змеиных позах. 

К примеру, давайте посмотрим на картину «Мадонна с длинной шеей» Франческо Пармиджанино. У этой картины не зря такое название – шея Мадонны изображенная на ней не просто лебединая, как и кисти рук. В руках у нее якобы новорожденный Иисус, с лысой головой. Но пропорции его тела – как у ребенка четырех лет. Напрашивается вопрос: как она сумела его родить.

Франческо Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей», 1535

Такие казусы являются отличительной чертой Маньеризма, иногда смотря на картины этого периода сложно не спросить, почему же при явном мастерстве художника все фигуры диспропорциональны?

На этом маньеристы не остановились. В картине «Снятие с Креста» Якопо Понтормо можно увидеть почти современный тренд на яркие цвета и неон. Хотя вроде бы это религиозное полотно, написанное для алтаря.

Якопо Понтормо «Снятие с Креста», 1527

Если вы все еще не удивлены, то можно взглянуть на картины Эль Греко. Художник 16 столетия, который по своему стилю не уступает абстрактным импрессионистам двадцатого столетия.  

Эль Греко «Лаокоон», 1610

Нелюбовь к юристам или сюрреализм шестнадцатого столетия

Есть еще две картины этой эпохи, которые я бы хотела обсудить в деталях. Первая явно опередила свое время на несколько столетий, а вторая имеет достаточно необычный сюжет.

Начнем с полотна Джузеппе Арчимбольдо «Юрист». Стилистика напоминает картины сюрреалистов. Представьте себе что почти все работы художника шестнадцатого столетия были выполнены именно в такой манере. Одни из самых известных его работ это портреты, где объекты картин состоят полностью из фруктов/деревьев. 

Смотря на «Юриста», можно понять отношение художника к своему субъекту. Достаточно тревожный портрет представителя юридической профессии. Его голова состоит из птицы, рыбы и совокупности юридических документов. Этот портрет призван дискредитировать и опорочить. Выражение лица адвоката насмешливо. Особенно неприятны его усы из рыбьей кости, борода из рыбьего хвоста и обезглавленный лягушачий нос.

Вот такое у Арчимбольдо было заявление в то время. Самое удивительное, что несмотря на его причудливую, и явно не канонную живопись, он имел влиятельного покровителя в лице Императора Римской империи и был достаточно успешным художником. 

Джузеппе Арчимбольдо «Юрист», 1566

Просто картина о сифилисе 

С этой картины я очень люблю начинать тур по Национальной Галерее Лондона, ведь когда люди слышат: «теперь давайте посмотрим на картину о сифилисе» все внимание группы становится направленным на меня. Речь пойдет о картине Аньоло Бронзино «Аллегория с Венерой и Амуром». И вы, мои дорогие читатели, не ослышались эта картина действительно о сифилисе, или как сказали бы в то время о последствиях нецеломудренной любви.

Главная фигура этого произведения – Венера, богиня любви, которая обезоруживает своего сына купидона. Находятся они в весьма двусмысленной позе, сложно представить в какой ситуации сын мог бы так ухватить свою мать за грудь. Более того, кажется, что они вот-вот поцелуются. Можно смело сказать, что эти две фигуры являются олицетворением порочной и запретной связи. 

Другие персонажи воплощают понятия, связанные с опасностями физической любви. Обнаженный ребенок («Удовольствие») осыпает Венеру и Амура лепестками роз, не обращая внимания на боль (любви) от шипа, пронизывающего его правую ногу. Позади него, существо («Обман») с головой девушки, но телом зверя. Одной рукой она предлагает Венере сладкие соты, а другой прячет жало в своем хвосте. Позади Купидона находится темная кричащая фигура, которая символизирует последствия «сифилиса». К середине шестнадцатого века эта болезнь достигла масштабов эпидемии.

Фигура в верхнем левом углу картины олицетворяет «Обливион» (человек с полой головой, который ничего не может вспомнить), он пытается прикрыть завесой происходящие ниже события. Однако ему мешает это сделать лысеющий мужчина («Время») с песочными часами на спине (вверху справа) – возможно, это намек на фатальные долгосрочные последствия сифилиса или просто на быстротечность любого физического удовольствия.

Почему же эта картина относится к эпохе маньеризма? Обратите внимание на недостаток пространства, переплетенные фигуры прижимаются друг к другу так же, как и к картинной плоскости. Цвета может и не имеют кислотного оттенок, но яркости им не занимать. В картине, которая состоит в основном из обнаженных фигур нашлось место и зеленому, и синему и даже розовым цветам. 

Аньоло Бронзино «Аллегория с Венерой и Амуром», 1546

В мире искусствоведов маньеристы достаточно известны. Маньеризм считается мостом между идеализированным Ренессансом и пышным Барокко. Долгое время направление было недооценено, его называли декадентским стилем, и относили к нему некоторых художников позднего Ренессанса. Позже, многие принципы и приемы нашли продолжение в искусстве ХХ столетия, когда художники наконец оценили эксперименты маньеристов с формой и цветом.

Картины художников маньеристов можно найти почти во всех галереях мира: Национальная Галерея Лондона, Уффици, Лувр, Музей Истории Искусств в Вене и других галереях мира. Многое церковное искусство до сих пор можно найти в церквях Рима и Флоренции, например «Снятие с креста» в эту минуту находится в Церкви Святой Фелиции. 

Текст: Lisa Klepikova